Jerry Goldsmith

Biografía

Jerrald King Goldsmith, conocido como Jerry Goldsmith, fue uno de los compositores más influyentes de la historia del cine estadounidense. Trabajó como compositor, director de orquesta y orquestador durante casi medio siglo, desde mediados de los años cincuenta hasta comienzos del siglo XXI, y su nombre se asocia sobre todo a la ciencia ficción, el cine fantástico y el cine de acción. Su trayectoria atraviesa la televisión, los grandes estudios de Hollywood y el cine de personajes, y hoy es una referencia para cualquier aficionado a la música de cine.

Nacido en California en 1929, en una familia judía de origen europeo, Goldsmith empezó con el piano a los seis años, aunque no se tomó la música en serio hasta cerca de los once. A los catorce estudió composición y contrapunto con Jakob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco, maestro que también formó a Henry Mancini o John Williams. Su vocación se afianzó a los dieciséis años, al ver Spellbound (1945) de Alfred Hitchcock, cuya partitura de Miklós Rózsa le pareció poco convencional y muy sugerente. Cursó estudios en la Universidad del Sur de California, donde recibió clases de Rózsa, pero acabó dejándolos por un programa más práctico en el Los Angeles City College, donde trabajó como pianista de acompañamiento y ayudante de dirección coral y orquestal.

Sus primeros trabajos profesionales llegaron en 1950, cuando entró en CBS como mecanógrafo en el departamento musical. Allí empezó a escribir música para programas de radio y después para la televisión en directo, como Climax! y Playhouse 90, además de varios episodios de La dimensión desconocida. Tras pasar por Revue Studios y por la división televisiva de MGM, debutó en el largometraje con la música del western Black Patch (1957). El reconocimiento amplio llegó con la partitura de intimista tono de Lonely Are the Brave (1962), que atrajo la atención del departamento musical de Universal. Ese mismo año firmó la música, mayormente atonal y disonante, de Freud (1962), y con ella obtuvo su primera nominación al Óscar, aunque perdió frente a Maurice Jarre por Lawrence de Arabia.

Durante los años sesenta y setenta fue uno de los compositores más solicitados de Hollywood. Su colaboración con Franklin J. Schaffner en El planeta de los simios (1968) se considera una de las primeras partituras de vanguardia del cine comercial, con técnicas poco habituales como metales tocados sin boquilla, músicos que imitaban los gruñidos de los simios y cuencos de acero usados como percusión. En Patton (1970) hizo repetir con eco de cinta un toque de trompeta para sugerir la creencia del general en la reencarnación, y envolvió la marcha principal en órgano para reflejar el carácter militar y religioso del protagonista. Defendía usar la música solo cuando fuera estrictamente necesario, y su propio trabajo en Patton le sirvió de ejemplo: apenas hay media hora de música en una cinta de más de dos horas. Para Chinatown (1974) dispuso de diez días para sustituir la partitura de Phillip Lambro, y creó una mezcla de jazz y sonidos orientales con cuatro pianos y cuatro arpas. Por esos años firmó también Papillon (1973).

Su éxito más reconocido llegó con La profecía (1976), cuyo coro de tono sombrío le dio su único Óscar, pese a las muchas nominaciones que recibió a lo largo de su carrera. Durante los años ochenta y noventa fue uno de los músicos más seguidos del público, quizá solo superado por John Williams. En Alien, el octavo pasajero (1979) amplió la orquesta con instrumentos poco habituales y creó sonidos extraterrestres retardando los pizzicati de las cuerdas con un eco, aunque la partitura fue editada y reescrita en postproducción. Para Star Trek: La película (1979) introdujo el Blaster Beam, un instrumento eléctrico creado por Craig Huxley, y volvió a la saga en varias entregas, entre ellas Star Trek: Primer contacto (1996). Otras partituras destacadas de la época son Poltergeist (1982), Rambo: First Blood (1982), Gremlins (1984), Total Recall (1990), Basic Instinct (1992), L.A. Confidential (1997), Air Force One (1997) y The Mummy (1999).

En televisión dejó también una huella duradera. Compuso la sintonía de Star Trek: Voyager, por la que obtuvo un premio Emmy, y entre 1997 y 2012 escribió la fanfarria del logotipo de Universal Pictures, que Brian Tyler reorquestó para el logo actual. Fuera del cine compuso obras de concierto como Music for Orchestra, de estilo atonal, el oratorio Christus Apollo, con texto de Ray Bradbury, y el ballet A Patch of Blue, basado en su partitura para Un retazo de azul (1965). En sus últimos años combinó la composición con la enseñanza en la Universidad del Sur de California, donde tuvo como alumno a Marco Beltrami.

Se casó dos veces y tuvo cuatro hijos; uno de ellos, Joel Goldsmith, también se dedicó a la música de cine. Su última partitura cinematográfica fue la de Looney Tunes: De nuevo en acción (2003), dirigida por Joe Dante, uno de sus colaboradores habituales. Murió el 21 de julio de 2004 en Los Ángeles, a los 75 años, a causa de un cáncer de colon. Su legado sigue vivo: a comienzos de la década de 2020 se recaudaron fondos para recuperar partituras dañadas o perdidas, y el compositor Leigh Phillips reconstruyó varias de ellas, que fueron regrabadas por la Royal Scottish National Orchestra y, más tarde, por la Orquesta Filarmónica de Praga. Su música, sobria y rítmica, sigue siendo un punto de referencia para los aficionados al cine de género.

Películas clave

• El planeta de los simios (1968): partitura de vanguardia con técnicas poco convencionales, como metales tocados sin boquilla, que marcó el sonido de la saga.
• Patton (1970): la trompeta con eco y la marcha con órgano que representan la personalidad del general, en una cinta con apenas media hora de música.
• Chinatown (1974): compuso una partitura nueva en apenas diez días, con una mezcla de jazz y sonidos orientales.
• La profecía (1976): el coro de tono oscuro que le dio su único Óscar.
• Alien, el octavo pasajero (1979): una orquesta ampliada con instrumentos poco habituales y sonidos creados mediante retardos de cuerda.